À la veille de Noël, alors qu'elle a 35 ans et une carrière en plein essor, la vie de Nathaly vole en éclats. Ce jour-là, elle apprend qu'elle est atteinte d'une maladie congénitale et d'une tumeur. Très vite, les mots sont prononcés : « cancer agressif ». Il lui faut faire le deuil de la vie qu'elle a mis tant de temps à construire.D'origine péruvienne, Nathaly a grandi à Cuzco et Lima avant de débarquer à 22 ans à Paris. À force de travail acharné, elle a réussi dans l'hôtellerie. Le cancer vient tout balayer. Ce livre retrace son parcours singulier fait de mille recommencements. Nathaly y raconte la maladie, sans fard et sans pathos, la résilience dans le combat quotidien, et l'envie de vivre, malgré tout. Comment accepter tout en se battant, être bienveillant à l'égard d'un corps défaillant ? Quel chemin dessiner devant soi, quand la maladie a pris toute la place ?Est-il encore possible de devenir mère ?Un témoignage inspirant et plein d'espoir.L'entièreté des droits d'auteur sera reversée à l'association péruvienne Magia, dédiée aux enfants atteints du cancer.
En août 1945, le temps d'un séjour dans l'ouest du Nouveau-Mexique et en Arizona, André Breton consigne sur son petit carnet à couverture bleu foncé les précieux détails de la vie dans les réserves indiennes Navajo, Zuni, Apache et Hopi.André Breton, en fin observateur, ethnologue en herbe, enregistre tout ce qu'il voit. Notes manuscrites et croquis s'égrènent et dressent un tableau précis de ces communautés : objets quotidiens ou rituels, architecture profane ou sacrée, danses, costumes, habitat, coiffures, paysages, faune, flore... C'est l'engouement sans précédent que les surréalistes ont entretenu avec les peuples et les cultures autochtones d'Amérique du Nord qui transparaît.Ces 76 pages sont ici reproduites en fac-similé, pour la première fois, accompagnées dans un second carnet de leur retranscription, d'un appareil critique minutieux et de photographies inédites.
Ce livre, le dernier de Paul Morand, étonne, au premier abord, parce que le grand écrivain s'efface derrière la voix et la parole de Gabrielle Chanel elle-même : « Je pris plaisir à relire mes feuillets volants [...]. Rien n'était de moi?; tout d'une revenante, mais qui, outre-tombe, gardait un galop effréné, son allure normale. Allure dans tous les sens du mot. » Au fil des pages, la vie, le travail, la personnalité de Coco se dévoilent et, par-delà, c'est l'histoire du xxe siècle qui s'éclaire d'un jour nouveau. À travers les portraits de Missia Sert, Erik Satie, Serge Lifar, Raymond Radiguet, Jean Cocteau, Picasso, Churchill, ce livre redonne vie au personnage même de l'insaisissable, mystérieuse et attachante créature dont Malraux disait qu'elle comptait, avec De Gaulle et Picasso, parmi « les plus grandes figures de notre temps ».
Je n'ai jamais connu l'insuccès. J'ai réussi de bout en bout tout ce que j'ai entrepris. J'ai fait aux gens plus de gentillesses que de misères. J'ai acquis le bien-être moral, à côté de l'autre. Cela me rend libre comme l'oiseau. M. Sartre a beau m'expliquer que je suis misérable, enfermée dans ma condition humaine [...], je suis décidée à être heureuse sans avoir besoin de ce poison quotidien, récemment inventé, qu'on nomme le bonheur. (Extrait)
Qu'est-ce qu'une oeuvre musicale ? Existe-t-elle réellement ou n'est-elle qu'un concept utilisé pour indiquer certaines pratiques musicales ? S'agit-il d'une entité abstraite ou particulière ? Pouvons-nous l'identifier à un enregistrement ? En quoi se distingue-t-elle d'une improvisation ? Et en quoi celle-ci consiste-t-elle précisément ?
Ce livre a pour objectif d'offrir au lecteur un aperçu du vaste chantier de réflexion ouvert par ces questions. Il vise notamment à comprendre dans quelle mesure la recherche ontologique qui s'est développée au cours des trois dernières décades a contribué à approfondir notre connaissance des modes d'existence des musiques d'hier et d'aujourd'hui. Le volume s'articule en quatre volets thématiques (1. Musique et ontologie, 2. Ontologies des oeuvres musicales, 3. OEuvres et enregistrements, 4. L'ontologie de l'improvisation). Il rassemble des contributions originales (d'Alessandro Arbo, Alessandro Bertinetto, Frédéric Bisson, Clément Canonne, Sandrine Darsel, Jacques Favier, Roger Pouivet, Marcello Ruta), ainsi que des textes d'auteurs de référence du débat anglo-saxon contemporain (Lee B. Brown, Stephen Davies, Peter Kivy, Jerrold Levinson), présentés ici pour la première fois en français.
De 1891, date à laquelle la commande du Balzac lui est attribuée, à 1898, année de l'achèvement de la sculpture, Rodin ne cessera de travailler à ce chef-d'oeuvre qui, à ses propres yeux, constitue le sommet de son travail. Au fil de la création, c'est un véritable bouleversement de la pensée de l'artiste qui se produit ; évolution dont chaque étape se voit restituée par Hélène Marraud au travers d'une analyse précise des multiples études. Ce n'est, en effet, qu'à l'issue d'un long et lent travail de maturation qu'adviendra une oeuvre sobre et simplifiée à l'extrême, souvent incompréhensible pour la presse et le public de l'époque, mais héraut des générations à venir.
Que peindre ? est une méditation philosophique sur l'art pictural contemporain et sur l'objet essentiel de la peinture qu'est la présence. Contrairement à ce que l'on croit souvent, l'art pictural n'a pas pour objet la représentation ; il porte davantage sur la présentation du moins, un certain type de présentation, puisque l'art montre qu'il y a de l'imprésentable. Telle est, selon Lyotard, l'essence aporétique de la présence que révèle la peinture. Mais comment s'y prend l'art moderne pour saisir cette présence qui se refuse à tout discours (qu'il soit discursif ou narratif) ? C'est à travers l'étude des oeuvres de trois artistes (Adami, Arakawa, Buren) que Jean-François Lyotard entreprend de répondre à cette question éminemment philosophique. Dans ce livre, composé en 1987, l'auteur livre les clefs de son esthétique en même temps qu'il se révèle être un véritable artiste de la pensée : ici, la langue pense. Et c'est cette pensée de la langue que le philosophe met au coeur de son oeuvre pour éclairer l'énigme de la présence, notamment selon les modalités de l'art de la fugue, que sont la polyphonie et le contrepoint. Ultimement donc, ce que propose Lyotard, c'est une nouvelle manière de philosopher, comprise comme l'activité de « penser à travers les yeux », nouvelle posture de la philosophie qui la met directement en dialogue avec l'acte d'imaginer, c'est-à -dire de « voir en penser ».
Ce livre redonne à la littérature espagnole toute sa place dans l'histoire littéraire européenne. Il s'agit d'une véritable remontée dans le temps, de Federico Garcia Lorca à Calderón, de la guerre d'Espagne au Siècle d'or, avec, au centre de ce voyage, la figure lumineuse de José Bergamín, en « passeur ». L'Espagne apparaît soudain à portée de main. Une Espagne « or et ciel » que, très tôt, Florence Delay eut l'impression de toucher presque du doigt, quand l'enfant qu'elle était la voyait scintiller depuis les plages du Sud-Ouest de la France. En conjuguant sa passion pour le théâtre, la poésie et l'Espagne, ou encore en descendant dans l'arène de l'interprétation des textes, Florence Delay retrace ici, à travers quelques-uns des épisodes personnels de sa vie, le chemin qui l'a menée aux écrivains qu'elle aime, lit, relit, traduit.
Cet ouvrage propose pour la première fois une histoire de l'école de Genève à travers l'étude comparée des oeuvres de Georges Poulet, Jean Starobinski et Jean-Pierre Richard. Une première partie retrace l'histoire intellectuelle du groupe à une époque marquée par l'influence de la phénoménologie, puis par la pensée structuraliste, ainsi que par les tensions entre la nouvelle critique et la critique universitaire. Pour ce faire, l'auteure s'appuie abondamment sur la correspondance, en partie inédite, entre ces trois auteurs. Une deuxième partie analyse les textes de Poulet, Starobinski et Richard pour tenter de cerner la spécificité de leur démarche critique au-delà des différentes théories et méthodes auxquelles leurs oeuvres ont pu être associées. L'étude de leurs «?gestes critiques?» permet d'observer les mouvements de la pensée interprétative et la façon dont celle-ci naît d'une «?imagination critique?» qui leur est propre et qui caractérise tant leur lecture des textes littéraires que leur écriture critique.
La Main à plume est le groupe surréaliste qui prend la relève pendant l'Occupation, alors que Breton et la plupart des surréalistes historiques ont pris le chemin de l'exil. De jeunes peintres, poètes et militants se regroupent sous ce nom rimbaldien et lancent une série de publications et d'activités collectives dans le Paris occupé. Ce groupe particulièrement politisé, qui comprenait beaucoup d'étrangers et de Juifs, réinvente l'aventure surréaliste dans un champ littéraire et artistique sous contrainte. Cet ouvrage vient réviser l'Histoire du surréalisme sous l'Occupation de Michel Fauré et apporte un éclairage nouveau sur l'intrication entre poésie et politique, qui engage le devenir des avant-gardes après 1945.
Cet ouvrage examine les différentes facettes d'un intellectuel, dont la personnalité, la carrière et l'oeuvre n'avaient jusque-là guère retenu l'attention : Léon Rosenthal (1870-1932). Son parcours de militant socialiste, brièvement adjoint au maire de Dijon et animateur de l'Université populaire, est étudié au sein de la SFIO de Jaurès et jusque dans son appartenance aux «majoritaires de guerre». Le normalien, agrégé d'histoire et professeur au lycée Louis-le-Grand, est également pris en compte. Ce sont aussi les activités multiples et complémentaires du critique et de l'historien d'art qui sont étudiées, permettant de mieux connaître l'érudit et le vulgarisateur de la peinture et de la gravure du xixe siècle, le théoricien de la reconstruction urbaine d'après la Grande Guerre, le défenseur des arts décoratifs et de l'architecture - entre Art nouveau et Art déco -, le promoteur de l'art social et de l'art français, le collaborateur de nombreux journaux et revues, le titulaire de la chaire d'histoire de l'art à la Faculté de Lyon et le conservateur du musée des Beaux-Arts de Lyon.
Au tournant du xxe siècle, le professeur Chouchani prit part à l'instruction d'érudits qui formèrent à leur tour une nouvelle génération de penseurs juifs éclairés. Avec le philosophe Jacob Gordin et le philologue Joseph Gottfarstein, ce génie aux allures de vagabond contribua à la renaissance de la pensée juive après la Shoah en France. Un épisode extraordinaire de l'histoire des idées qui redonna aux sources de la tradition juive la place qu'elles méritaient dans le grand débat des cultures.
Ses connaissances sacrées et profanes impressionnaient. L'approche révolutionnaire du professeur d'Élie Wiesel, Emmanuel Levinas, Léon Askenazi et d'autres connut des prolongements en Europe centrale, en Israël, aux États-Unis, en Afrique du Nord et en Amérique du Sud, des lieux qu'il traversa comme un météore. Mais tel Socrate, la vie de Chouchani, personnage énigmatique dont la véritable identité était gardée secrète, est entourée de mystère. Solitaire et marginal, le destin du clochard qui savait tout fascine et questionne. De ses enseignements, trop peu d'informations ont jusqu'alors filtré. Le présent essai propose de révéler quelques secrets de sa pensée foisonnante, éclairés par l'évocation des étapes principales de sa vie.
Normalien et agrégé de philosophie, Albert Lautman était philosophe des mathématiques, élève de Léon Brunschvicg et, comme son ami Jean Cavaillès, proche du groupe Bourbaki, engagé dans une démarche vers l'unification en devenir des mathématiques et son explicitation philosophique.En 1939, Albert Lautman est mobilisé comme officier d'artillerie anti-aérienne et conduit brillamment sa batterie en mai 1940. Fait prisonnier, il réussit à s'évader avec la ferme intention de reprendre le combat. Il s'engage activement dans la Résistance à Toulouse et devient membre de l'état-major de l'Armée secrète de la Haute-Garonne. Arrêté par la Gestapo quelques semaines avant la Libération, il est fusillé à 36 ans. Son fils aîné, Jacques, avait à peine 10 ans.Ce livre est celui d'un homme qui, partant à la recherche de son père, retraçant sa biographie, sa pensée et ses engagements, s'interroge ultimement sur l'impact que l'absence de son père, mort pour la France, a eu sur sa propre vie.
Comment suivre la déroutante pensée de Bonaventure ? Étienne Gilson y voyait à l'oeuvre une « logique de l'analogie », tandis que Hans Urs von Balthasar la présentait comme une « monadologie sans harmonie préétablie ». Dans les deux cas, c'est l'expressionnisme du Docteur séraphique qui se trouve mis en valeur : les créatures représentent leur Créateur par tout leur être, et le Créateur lui-même exprime ses créatures. Mais cet expressionnisme universel et divin n'est que la face visible d'une structure dynamique et tripartite plus vaste que l'on peut appeler, en s'appuyant sur d'importantes déclarations de Bonaventure, une logique de la ressemblance. Outrepassant les bornes posées par saint Augustin et par Denys le pseudo-Aréopagite, Bonaventure a réuni sous le vocable de « ressemblance » toutes les entités « mineures », depuis les Frères du même nom jusqu'aux espèces sensibles, et de la plus humble créature jusqu'au Fils de Dieu. Dans ce dispositif paradoxal dont l'homme et le Christ occupent le centre en raison de leur humilité, c'est la réconciliation du ciel et de la terre, de Dieu et du monde, de la théologie et de la métaphysique, que Bonaventure donne à voir.
Roland Barthes ne s'est pas d'abord intéressé à la question de la théâtralité. Il n'en est pas non plus devenu à proprement parler un théoricien. Mais il a poussé la réflexion au-delà des catégories, des champs et des objets attendus. Il s'est d'abord intéressé au théâtre. Au théâtre joué, organisé, monté et au théâtre des signes que se donne une pratique pour exister, se transformer et se faire reconnaître. L'analyse des pratiques a commencé avec la littérature ; elle s'est poursuivie avec le théâtre et la mythologie. C'est dire que Barthes ne pouvait interroger du théâtre que le théâtre, un redoublement qu'il lui est arrivé de nommer la théâtralité. C'est dire aussi que cette théâtralité se trouve partout. Se trouve-t-elle partout identique à elle-même ? Autrement dit, la théâtralité est-elle indifférente au support qu'elle modalise ? Peut-on en donner une définition exclusive ? Quel est l'enjeu, quelle est la fonction, quelle est la valeur de son application obstinément hétérogène ? Quel concept déterminé du théâtre présuppose-t-elle ? Quel apport à la réflexion esthétique fournit-elle ?
Cet essai est la première tentative d'expliquer le mouvement lettriste et ses réalisations dans sa relation aux multiples mouvements d'art survenus après la guerre. Le lettrisme promu par la personnalité géniale d'Isidore Isou, son fondateur, s'annonce comme la dernière avant-garde légitime et prometteuse, après l'écroulement du Surréalisme. For t de ses concepts originaux - L'Art imaginaire, l'Art supertemporel, la poésie sonore... le lettrisme aura une fonction d'anticipateur à l'aune de l'exploitation esthétique de mouvements divers (Situationnisme, Happening, Fluxus ...). Lettrisme - le bouleversement des Arts devient une expérience de lecture incontournable pour celui qui veut enrichir ses connaissances dans le domaine de l'Art moderne et contemporain.
Derrière un titre qui affiche joyeusement érotisme biblique, physique fondamentale et histoire de l'art, Alberto Velasco a réuni une vingtaine de nouvelles. Alliant humour, mélancolie, colère, précision analytique et fantaisie virtuose, celles-ci se distinguent par leur modernité. On pense alors Hervé Guibert ou Frédéric Berthet. « Certains écrivains, écrit Nietzsche, naissent posthumes ». C'est le cas d'Alberto Velasco, mort en 1995 à l'âge de trente-deux ans.
Surplombant l'oeuvre entière, Dans la solitude des champs de coton brille des feux de la rhétorique et retrace le cheminement des corps et des discours à l'orée du lien social, du désir et du rapport à la Cité. Koltès redécouvre le modèle antique de la sophistique pour en tester l'efficacité tragique. Le présent essai s'interroge sur le sens et la portée d'un tel retour. En croisant anthropologie, philosophie, psychanalyse et sociologie, l'analyse opère un salutaire coup de force, car elle délocalise le regard porté sur l'oeuvre et montre comment la torsion de l'écriture s'empare de cette forme supposée désuète pour la hisser sur la crête de la contemporanéité. La contrefaçon des procédures de discours empruntées au marché fait ainsi bon ménage avec une rhétorique érotisée qui manque son but mais élève les esprits et les coeurs. Partage difficile entre la « blague » et le sérieux, qui témoigne d'une très actuelle manipulation des valeurs.
Adulé, Serge Lifar (1905-1986) a été le premier danseur très médiatique. Fort de l'aura des Ballets russes, il a insufflé un nouvel esprit à l'Opéra de Paris où il fut maître de ballet. Cet exilé, enfant de Kiev, devient une figure mondaine, ami de Jean Cocteau, Paul Valéry ou Arthur Honegger, capable de provoquer en duel le Marquis de Cuevas. Il a souhaité incarner la France, son pays d'accueil, grâce à son art. Ses activités maintenues sous l'Occupation lui valurent une éclipse. Chorégraphe, théoricien, auteur prolifique, conférencier, Lifar a promu son art dans le monde entier. N'oubliant jamais sa communauté, il a néanmoins trouvé un ancrage dans un domaine sans frontières, la danse. Il est malaisé de rendre compte d'une personnalité si riche, complexe et chatoyante. Il fallait le talent, la rigueur et la sensibilité de Florence Poudru, pour y parvenir. Cette biographie au style alerte est le fruit d'un travail au long cours, de Lausanne à Paris. Enrichie de documents iconographiques inédits, elle est appelée à devenir l'ouvrage de référence.
La connivence entre la littérature et la danse est antique ; elle prend de nombreuses formes. Pré-texte ou corollaire, l'écriture accompagne souvent la danse et celle-ci s'insinue dans les pages, indice de fantastique et d'ineffable. Les études concernant la danse dans la littérature sont nombreuses. En revanche, les interactions du littéraire et du chorégraphique considérées dans leurs réalisations scéniques sont moins explorées. C'est de littérature en danse qu'il est question dans ce volume, consacré surtout au destin des livrets de ballets conçus par des auteurs français, aux collaborations entre écrivains et chorégraphes et aux transpositions dansées d'ouvrages appartenant au patrimoine littéraire français. Il s'agit d'interroger les dynamiques et les enjeux du passage d'un code à l'autre, des mots écrits aux corps en mouvement. Comment un texte se transforme-t-il en un spectacle dansé qui ne se veut pas illustration mais transfiguration esthétique et interprétation autonome ? Comment les différents composants d'un texte littéraire se métamorphosent-ils en décors et costumes, en gestes et en pas ? En renversant la perspective, ce questionnement nous induit également à relire les textes à partir des recréations chorégraphiques auxquelles ils ont donné lieu. Entre littéralité et abstraction, ce sont donc les correspondances et les écarts par lesquels la chorégraphie intègre et transcende la consistance conceptuelle, émotionnelle et verbale de l'oeuvre littéraire qui font l'objet de ce livre : histoire de renouveler, de phrases en phrasés, le plaisir de l'intertexte.
Bernard-Marie Koltès (1948-1989) a laissé l'image d'un homme souriant, éternellement jeune, à l'énergie romantique et au destin tragique. Il a multiplié les rencontres et les voyages, s'est intéressé tant au roman, au cinéma et à la peinture qu'au théâtre. Dans les années 80, son compagnonnage avec Patrice Chéreau, tout récemment disparu, a forgé sa reconnaissance internationale. Il aimait les acteurs et a obtenu de Jacqueline Maillan comme d'Isaach de Bankolé, d'Yves Ferry comme de Maria Casarès, qu'ils interprètent ses pièces. Pourtant, son sens de l'amour, homosexuel ou amical, ne s'est jamais départi d'un sentiment de profonde solitude. Au programme, cette année (2014), des concours d'entrée aux Ecoles Normales Supérieures d'Ulm et de Lyon, Dans la solitude des champs de coton met aux prises un dealer et un client dans de longs monologues croisés, qui se coupent et s'accélèrent à mesure qu'ils s'approchent d'un dénouement sans résolution. Ce numéro s'engouffre dans les méandres d'une pièce sur laquelle Patrice Chéreau sera revenu trois fois, livrant en autant de mises en scène des interprétations toujours plus profondes et séduisantes.
Christian Dotremont, poète belge d'expression française, est une figure incontournable de l'avant-garde européenne. Du surréalisme aux expérimentations de Cobra et à la découverte des logogrammes se dessine un itinéraire poétique original qui est une échappée sans cesse reconduite hors des chemins balisés. Son oeuvre est essentiellement trajet, donnant à voir les tâtonnements d'une écriture qui tente de restaurer la relation du langage à son dehors. Une démarche qui voit l'émergence d'une question sur le signe dans sa figure sensible, tant sonore que graphique. Or, de cette dualité fondamentale de l'écriture, la critique a surtout retenu et exploré l'aspect plastique au détriment de la dimension verbale. Cet ouvrage se propose d'explorer la poétique de Christian Dotremont sous l'angle de la parole et ainsi de redonner voix aux logogrammes.
«?Il me paraît impossible d'imaginer qu'il n'y ait pas entre ceux qui aiment vraiment Shakespeare le partage de quelques valeurs fondamentales, dont, en premier lieu la vérité, le respect de la vérité.?» Autour de cette idée, Yves Bonnefoy a réuni quelques amis pour examiner, dans le cadre de la Fondation Hugot du Collège de France, les rapports que l'oeuvre de Shakespeare a entretenus avec d'autres auteurs : Pétrarque, Castiglione, Cervantès, Machiavel, Keats, Blake, Hugo, Mallarmé, Verdi, René Girard. Sont ainsi présentés et analysés l'influence du dramaturge élisabéthain, mais aussi les échos et parentés entre certains écrivains et Shakespeare. Il s'en dégage une ambition commune, réaffirmée à de nombreuses reprises par Yves Bonnefoy concernant la critique, celle de l'étude des faits : «?Donner priorité [...] à la recherche des faits, c'est prendre le parti de la vérité, c'est s'éveiller de ses rêves. Ou bien, si l'on ne cesse ou ne veut cesser de rêver, [...], ce sera substituer au rêve du "moi", heureux de ses illusions, celui d'un "Je" dont autrui pourrait être partie prenante.?»
Du vivant de Molière, ses comédies ont été acclamées, commentées, voire attaquées, sans que nul n'émette le moindre doute sur leur paternité. Mais dans la foulée de la remise en cause de Shakespeare, accusé depuis le xixe siècle de n'être pas l'auteur de ses pièces, Pierre Louÿs proclama en 1919 que les comédies de Molière avaient été écrites en secret par Pierre Corneille. La faiblesse des arguments de Louÿs fit rapidement oublier l'affaire, mais l'idée d'un complot s'implanta malgré tout dans quelques esprits. L'irruption des «?théories alternatives?» au xxie siècle redonna vigueur à cette thèse, et le sentiment que de nombreux mystères entourent Molière s'installa durablement.
C'est à tenter de dissiper ces prétendus mystères qu'est consacré le présent ouvrage. Georges Forestier analyse ici l'écart immense qui sépare les manières respectives de Corneille et Molière de composer leurs pièces de théâtre, et rétablit la réalité de leurs rapports. Il propose ce faisant une réflexion sur les processus intellectuels et cognitifs qui font naître et se perpétuer des théories complotistes capables de renverser des vérités attestées.
«?Je voudrais tant vous écrire et cependant tout est impossible. On m'a donné l'ordre de ne pas cacheter nos lettres. La seule idée que des tierces personnes ouvriront les papiers et profiteront de la lettre me glace, me décourage : et quoique cependant cette lettre soit à cent lieues des secrets militaires, ma pudeur s'effarouche de rendre ainsi public ce que je pense. Lorsque je serai au repos j'expédierai toutes ces lettres qui sont une part de mes notes personnelles et qui vous sont confiées. C'est à vous que je les donne parce que je sais que plus tard si je voulais revivre mes heures de tranchées, je saurais où les retrouver.
Je voulais écrire à l'air libre et sous la carcasse des arbres. J'ai dû me réenfouir sous la sape. Nos obus et les leurs se croisent et je pense toujours depuis au camarade arrivé au feu de la veille et qui avait tout le côté gauche de la tête emporté. J'ai dû durant cette journée l'enjamber plusieurs fois. Il est mort sans crier face à face avec son ami, comme il lui disait : je n'ai pas peur. L'autre, dans l'obscurité, ne s'en est aperçu qu'à son silence.?»
(Lettre, 12 août 1915)
Nouv.
ebook (pdf) 8.99 €
